Hoy es día de estrenos y volvemos a la niñez al menos por un rato con la película que queremos aprovechar para ver en este “jueves premiere”. Una vez más Pixar nos trae un film animado, de esos que son para chicos y para no tan chicos, con la marca registrada que supieron imponer títulos como “Bichos”, “Monsters Inc.” y, obviamente, su caballo de batalla “Toy story”. Y si bien uno quisiera que todas las películas sean tan tiernas como “Ratatouille”, divertidas como “Buscando a Nemo” o profundas como “Wall-E”, uno ya sabe que al menos se va a encontrar con un film visualmente impactante y con historias que salen del molde clásico.

En esta oportunidad, la historia que cuenta trata de darle una vuelta de tuerca al mundo de las princesas que los cuentos infantiles han moldeado a lo largo de años de encantamientos, desdichas y romances de estas estrellas del universo infantil femenino. Sin embargo, “Valiente” se anima a más y por eso dan ganas de ya estar en la boletería sacando un ticket para verla. Merida es una adolescente que no quiere vivir encerrada en su castillo sino aprovechando el aire libre y la naturaleza. Su padre la apaña un poco y su madre todo lo contrario, sin embargo ella hace de las suyas sin pensar en ni en su educación ni en sus modales.

Una rebelde con su largo cabello al viento nos muestra esta historia y las capacidades ilimitadas de su imaginación son equiparables a las del propio film. Merida además tiene hermanos trillizos, lo cual agrega un condimento hilarante al guión por la sucesión de escenas cómicas. Sin embargo, lo que resaltará en el film es la relación de la joven con su madre, ya que ambas aprenderán más de una lección sobre la vida. Por eso llama la atención este film, que no cae en los lugares comunes del género sino que explora una relación que todavía no había sido contada por Pixar, ni mucho menos por Disney, su competidora dentro del género infantil.

Hoy recibimos como nuestro “invitado de honor” a un director que influenció a grandes directores contemporáneos como Tarantino, por ejemplo. Reconocido director independiente y cultor del manifiesto del New American Group, John Cassavetes hace su aparición entre los destacados de la lista de 1diadepelicula. Su punto más sobresaliente fue el método de la improvisación que sostuvo en sus filmes como director: permitía a sus actores llevar sus propias interpretaciones de los personajes a la escena, si bien ésta estaba escrita. Era de los que escuchaban al actor, pero lo tomó directamente como un método.

John Cassavetes nació en Nueva York y tuvo un paso gigante en el cine, ya que además de director, fue guionista e inclusive actor. Hijo de padres inmigrantes griegos, realizó estudios en la Academia de Artes Dramáticas y se graduó en 1950. Al poco tiempo se casó con la actriz Gena Rowlands, su compañera también en la ficción. Su primer largometraje como director, “Shadows”, es de 1959. Un film experimental que recrea una Nueva York pre-beat donde las relaciones interraciales estaban a flor de piel. Consiguió el premio de la crítica en el Festival de Venecia por esta cinta de difícil acceso, ya que primero fue estrenada en Europa y luego en Estados Unidos.

Ya a principios de los sesentas filmó otros dos largos: “Too late Blues” y “A child is waiting”. El primero es sobre un músico de blues con una ideología más bien bohemia hasta que conoce a una hermosa cantante. Y el segundo un film dramático protagonizado por Burt Lancaster y Judy Garland cuya trama ocurre en una escuela para chicos con deficiencia mental.  Su siguiente película es nuestra recomendada del día: “Faces”, de 1968.

La historia se centra en un hombre mayor (John Marley) que deja a su esposa luego de años de matrimonio por una mujer más joven (Gena Rowlands). Lo mismo sucede con la esposa del señor, quien también se enamora de un hombre menor a ella. Candidata al Oscar en las categorías de mejor guion original a cargo del propio Cassavetes, mejor actor de reparto (Seymour Cassel) y mejor actriz de reparto (Lynn Carling). Con respecto al comentario del principio, cuando hacíamos mención a la influencia de este director en las generaciones venideras, habría que recordar que la escena de “Pulp Fiction” en la cual el personaje de Uma Thurman recibe una inyección de adrenalina para reanimarla, es un guiño a esta película.

Le siguió “Husbands” de 1970, protagonizada por el propio Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara, y en la cual este trío tiene que viajar a Londres para asistir al funeral de uno de sus mejores amigos. Al año siguiente estrenó “Minnie and Moskowitz”, otra vez con la pareja Rowlands/Cassel como dos amantes muy distintos entre sí. Pero todavía no llegarían sus películas mejor consideradas, ya sea por la trama o por el hecho de que las tres fueron totalmente independientes: “Una mujer bajo la influencia” –acerca de la locura y el matrimonio- de 1974, que recibió nominaciones a mejor dirección y actriz principal, “The Killing of a Chinese Bookie” –una de gángsters con Ben Gazzara- de 1976 y “Opening night” –sobre una estrella de cine venida a menos- al año siguiente. Finalmente, sus últimas películas fueron un thriller -“Gloria”, de 1980-, un drama -“Love Streams” de 1984- y una comedia -“Big Trouble” de 1986-. 

Hoy en 1diadepelicula es “martes negro”, ese día de la semana en el cual recordamos historias de intriga y suspenso. Y en esta oportunidad los que se encargaron de elegir la peli son los seguidores del Blog, que en una cruzada histórica volvieron a llevar adelante una #Trivia que dejó en el podio de las elegidas a “Copycat”, un thriller estrenado en 1995 y protagonizado por Sigourney Weaver.

Helen Hudson (Weaver) es una psicóloga que ha trabajado con casos de asesinos en serie al punto de convertirse en una experta. Pero no todos sus casos han sido exitosos, ya que en el último que la tuvo como protagonista, un psicópata (Harry Connick Jr.) casi la asesina. Desde allí en adelante, Helen sufre de agorafobia, un trastorno de ansiedad que le hace tener un recurrente miedo a los lugares que no sean su lugar seguro: su departamento.

Pero Hudson deberá no sólo hacerle frente a su propia situación sino además a un nuevo caso que la pondrá a prueba una vez más. Esta vez, serán dos detectives, M.J. Monahan (Holly Hunter) y Reuben Goetz (Dermot Mulroney), quienes buscarán su ayuda para elucidar quién es el responsable de una serie de asesinatos. Pero todo lleva a Helen vuelva a vivir su horror nuevamente y, siempre valiéndose de su coraje y de su conocimiento, tratar de sobrevivir… una vez más. Un thriller para mirar agarrado de la silla, pero con la compu al lado para tuitear con “los trivieros” de 1diadepelicula.

Hoy este clásico tiene un aroma especial, tiene ese dejo de fragancia de un actor excepcional, que ganó el Oscar por su papel en la película que tenemos para recomendar en la sección de los viernes de “lo que el cine nos dejó”. Al Pacino protagoniza este film, adaptado de la novela “Oscuridad y miel”, de Giovanni Arpino y que funciona como remake de su homónima italiana de 1974 dirigida por Dino Risi: se trata de “Perfume de mujer”.

Estrenada en 1992, “Scent of a woman” (tal su nombre en inglés) cuenta la historia de Charlie Simms (Chris O’Donnell), un estudiante becado que cursa estudios en una importante preparatoria de los Estados Unidos. Su origen humilde lo lleva a tomar un trabajo muy particular: acompañar en un viaje a un oficial retirado de la Armada de Estados Unidos, el Teniente coronel Frank Slade (Al Pacino). Este hombre, además de tener una personalidad avasallante, tiene que cargar con su propia mochila: es ciego. No se sabe si eso lo hace una persona complicada o su forma de ser le antecede, pero que se hace notar es seguro.

De todas formas, ambos emprenden un viaje a Nueva York. Y vivirán muchas enseñanzas, ya que los problemas de uno caerán en el otro, ya sea para darle su punto de vista o para ayudarlo de una manera concreta. Ambos se complementan, apoyándose mutuamente. El joven Charlie tiene un problema en la escuela, que lo tiene a él como principal responsable pese a que solamente se trata de un malentendido, pero lo inculpan otros que tienen más renombre. Y no dejarán además de aprender todo sobre la mujer: sobre una en especial. Y sobre su perfume. Dirigida por Martin Brest (director de “Conoces a Joe Black”), el film es nuestro elegido como clásico para esta semana y para nuestra filmoteca particular.

Hay algunos jueves en los que llega a la pantalla lo que se llama en la jerga de la industria del cine un tanque de Hollywood. Este término responde no sólo a la inversión que tienen esas películas, tanto en la producción como en la publicidad, sino además por las recaudaciones. En esta oportunidad se trata de “El sorprendente hombre araña”, remake de la anterior que no es ni siquiera de hace más de una década, pero cuyo estreno genera la misma ansiedad.

La historia de esta película es conocida: Peter Parker, esta vez interpretado por Andrew Garfield, es un joven estudiante criado por su tíos Ben (Martin Sheen) y May (Sally Field). La secundaria le despertó el amor y la elegida en esta oportunidad es Gwen Stacy (Emma Stone), quien construye con Peter una relación basada en el respeto. Como no podía ser de otro forma, una excursión a un laboratorio es el punto de partida donde todo lo dada cambia: una araña radiactiva lo pica al pobre de Peter, lo cual genera básicamente el título de la película. Una sorprendente historia sobre el hombre que se convirtió en araña.

Oscorp sigue siendo el laboratorio que despierta las dudas del joven hombre araña (o su alter ego, Peter Parker… ¿o es al revés?) y no tarda mucho uno en darse cuenta que el Doctor Curt Connors (Rhys Ifans), quien años atrás trabajó junto al padre de Peter, se va a convertir en algo más. Esta nueva invención será el enemigo crucial del hombre araña, así como la propia policía que lo toma como una amenaza. La vieja historia del bien y del mal. Y del amor juvenil. Y de la familia. Y páginas y cuadros de cómics, que en este oportunidad no sorprenden tanto como el título de la película así lo desea, pero que al menos rescatamos por ser un buen intento del director de “500 días sin ella”, Marc Webb. 

Hoy en 1diadepelicula recibimos como “invitado de honor” a un director nacional. Así es, una vez más tenemos en nuestra mesa de cine un realizador que no sólo habla nuestra misma lengua sino que además maneja un lenguaje cinematográfico que nos acerca a sus historias, ya que utiliza actores no profesionales, lo cual le da un realismo particular al relato. Rendimos tributo hoy a Carlos Sorín, un hombre de historias mínimas.

Nacido en Buenos Aires en el año de 1944, Sorín se destaca además por escribir y dirigir sus películas. Su filmografía, si bien corta en comparación con otros invitados que han pasado por este espacio, es bastante prolífica teniendo en cuenta que no se ha apoyado nunca del todo en los grandes estudios, sino que ha llevado su carrera a su ritmo y con sus limitaciones. Su primer film lo estrenó en 1985 y es el único en el cual participan actores profesionales: “La película del rey”, con Ulises Dumont, Julio Chávez y Ana María Giunta. Un ciudadano francés se autoproclamó en 1860 rey de la Patagonia, motivo por el cual un cineasta montó una producción para filmar al respecto, sufriendo entremedio todo tipo de vicisitudes. El film es una ficción que documenta lo sucedido.

En el 2002 estrenó el film que recomendamos de este gran director: “Historias mínimas”, una película filmada en la provincia de Santa Cruz. Como su título lo indica, son historias pequeñas para el común, pero enormes en sí mismas. Y todas ellas confluyen en las rutas que recorren la Patagonia, esa tierra sin fin pero con vida propia que habita el sur de la Argentina. Una de las historias lo incluye a Don Justo, un hombre mayor, comerciante jubilado él, que se entera por comentarios que su perro apareció en otro pueblo. “El malacara”, tal el nombre del animal, se había ido hacía tres años de su casa. Y allí parte, con las ganas de recobrarlo, contra todos los que le dicen que no vale la pena.

Las historias se continúan y surge Roberto, viajante de comercio que encarga una torta con forma de pelota de fútbol para el cumpleaños del hijo de una ex clienta. Sus intenciones no son solamente agasajar al cumpleañero, sino además tratar de conquistar a la madre. Pero hay un problema, que surge en el momento, no se acuerda si es un varón o una nena, por lo cual se decide finalmente por decorar la torta de manera ambigua. María Flores, una joven mujer, muy humilde ella, recibe el llamado de la producción de un programa de televisión para participar en el concurso que lleva adelante. Hacia allí se arrima, con todos sus sueños a flor de piel, con la idea fantástica de tener sus pocos minutos de fama.

Luego de filmar esas historias pequeñas, en medio de la inmensidad del paisaje patagónico, Sorín estrena en 2004 “El perro”, sobre un desocupado que vive en la Patagonia (otra vez, sí) a quien le regalan un dogo argentino. El buen hombre se relaciona con un criador de perros que quiere hacerlo competir, pero Villegas tiene otro cariño por el animal. En el 2006 estrena “El camino de San Diego”, una historia sobre un fanático de Diego Maradona que encuentra en Misiones la raíz de un árbol que presenta una silueta muy similar a la de su ídolo. “La ventana”, de 2009, en la cual un padre recibe la visita de su hijo luego de un largo tiempo, pero entre los preparativos para ese día especial su ventana lo invita a hacer un viaje. “El gato desaparece”, de 2011, es su último film estrenado hasta el momento, en el cual un profesor de historia sufre un brote psicótico. Pasó un tiempo internado en un neuropsiquiátrico y tiempo después vuelve a su casa. Parecería un hombre sano, pero hay algo que despierta dudas al respecto.

Carlos Sorín, nuestro invitado del día, tiene su lugar en el mundo (la Patagonia), donde ha filmado sus películas. Pero también un lugar ganado en el mundo del cine: el de los que aventuran historias y se movilizan por completo para contarlas. Que no cuenta con la cabeza, sino con un órgano que está más abajo, el corazón. Un director con sus sentidos orientados al sur. 

Hoy nos sumergimos en el profundo universo del matrimonio, de la locura con amor y del amor con locura. Una historia sobre dos que se aman, que se amaron, que intentaron amarse. Todo eso es, en definitiva, el matrimonio. Al menos es lo que nos muestran los personajes del film que tenemos para recomendar “en lo profundo del lunes”. Dirigido por Derek Cianfrance, quien además participó de la escritura del guión, este drama revela el costado más sombrío de las relaciones de pareja: “Blue Valentine”.

Dean (Ryan Gosling) es un hombre particular. No le interesan las chicas, como si fueran una cosa. Él quiere enamorarse. Cindy (Michelle Williams, nominada tanto al Globo de Oro como al Oscar por su rol en este film) es una joven estudiante con mucho potencial y ganas. Ambos conforman una pareja inesperada, una de esas que surge no tanto del consenso sino de la desesperación. Pero contra todo, conforman un matrimonio y criaron juntos a una niña. Ella no se recibió de médica como esperaba, sino que se ha convertido en una enfermera, que trabaja por turnos. Y él no ha desarrollado sus habilidades para prosperar en un trabajo regular.

Lo que alguna vez fue un cuento de hadas, con canciones y bailes, con compromisos verbales, con abrazos y besos interminables; ahora no es más que una relación seca, por momentos tortuosa. Principalmente, es Cindy quien pierde el interés. En algún punto, se imagina “qué hubiera sido si…”. Y él está confiado de ser el mismo de siempre, quizás ése sea su mayor error, o al menos el peor reproche que recibe. Entremedio está esa pequeña hermosa, inocente, que ama a sus padres. Sin embargo, ese matrimonio ya había nacido mal, literalmente hablando. Con una simpleza visual inusual y una fotografía perturbadora, el relato se mueve como impaciente ante nuestros ojos, que disfrutan además de una banda sonora maravillosa, con melodías exactas para cada momento de la historia.

Hoy en 1diadepelicula nos colgamos la guitarra al hombro y a nos disponemos a rockear, o como dicen los personajes de esta película: “Party on”. Sí, amigos, recomendamos para este sábado pochoclero una comedia que tiene un gag atrás del otro. Es cierto, algunos son un poco descolgados o responden a cuestiones muy particulares. Es que esta película, al igual que la de los Blues Brothers, también salió del programa televisivo “Saturday Night Show”. Se trata de las alocados aventuras de Wayne Campbell y Garth Algar.

“El mundo según Wayne”, nuestra elegida del día, nos introduce justamente en el universo de esta pareja de amigos. Wayne (Mike Myers, quien además escribió la mayoría del film) es un joven que todavía vive con sus padres, toca la guitarra ya que es un gran amante del rock (una de las mejores escenas del film es un clip alucinante con la música de “Bohemian Raphsody” de Queen) y conduce de un programa de televisión en su sótano junto con su inseparable amigo Garth (Dana Carvey), quien toca la batería. Ellos crearon todo un nuevo lenguaje para hablar del mundo. Sus chistes son particulares, sus preguntas son únicas y las relaciones que construyen son especiales.

El programa no es un suceso pero un productor televisivo los relaciona con un empresario para promocionar su campaña como sponsor de videojuegos. Pero esto lleva a que deban hacer ciertas concesiones en el programa, tomando un rumbo que no es del agrado de Wayne y Garth. Esto, sumado que ahora Wayne sólo tiene ojos y oídos para Cassandra (Tia Carrere), su nueva novia, hace que algo en la amistad de estos dos personajes se rompa. Pero esos lazos que construyeron, jugando hockey en las calles de su barrio o elaborando palabras que sólo ellos conocen como “schuing”, serán no sólo los que los mantendrán unidos sino además los que logren hacer que ellos mantengan su modo de vida a salvo.

Dirigida por Penelope Spheeris (“Los Beverly Ricos”, “Black sheep” y otras comedias ligeras de este estilo), la película cuenta además con la actuación de Rob Lowe y  las apariciones de Alice Cooper, Frank Di Leo (un antiguo representante de Michael Jackson), Robert Patrick (el T-1000 de “Terminator 2” en ese mismo rol), Chris Farley y Christopher Walken, entre otros. Tuvo tan buena recepción por parte de los fans del programa que hasta sirvió para llevar adelante una segunda parte en la cual ellos deben organizar un show al estilo Woodstock pero en su ciudad natal. Una película para no dejar de ver… y de reír, claro.

Como todos los viernes, agregamos un clásico a nuestra filmoteca personal, y en esta oportunidad le hacemos lugar a la obra de Víctor Hugo: “Los miserables”, estrenada en 1998, no sólo recrea la historia pensada por el gran autor sino que además cuenta con un elenco de lujo: Liam Neeson, Geoffrey Rush, Uma Thurman y Claire Danes.

Dirigida por Bille August (director de otro clásico como “La casa de los espíritus”), la película muestra la vida de Jean Valjean (Neeson), desde que sale de prisión luego de cumplir sentencia por robar pan, hasta que recibe la confianza que le hacía falta, por parte de un obispo, para empezar a cambiar su destino. Con otra oportunidad más, Valjean iniciará una nueva vida y se convertirá en el alcalde de un pueblo francés, cerca de París. Allí dirige una industria luego de haber trabajado en ella. Pero si su pasado había sido desalentador, y su presente significa para él un páramo de paz y tranquilidad, el futuro le develará que aún quedan batallas para luchar.

Valjean tiene un nuevo espíritu que lo convierte en un hombre recto, con valores y que trabaja no sólo en su propio beneficio sino también en el de su comunidad. Y por esta virtud, que lo convierte en un hombre respetable, se decide a ayudar a una prostituta y madre soltera (Thurman), a cuya hija (Danes) también rescatará. Pero el inspector Javert (Rush) no lo dejará tranquilo, ya que lo conoce del pasado y desconfía de ese buen hombre. Esto llevará a Valjean a vivir una nueva reclusión, siempre con la aspiración de ser definitivamente libre. Un clásico que no pasa de moda, ya que para el próximo año se prevé una nueva versión para la pantalla grande, también con grandes actores como: Hugh Jackman, Russel Crowe, Anne Hathaway, Sacha Baron Cohem y Helena Bonham Carter.

Ya sacamos las entradas por Internet y estamos saboreando el balde de pochoclos: sí, amigos, es día de estrenos. Y hoy elegimos una película de un director a quien ya rendimos el debido tributo y de quien hemos recomendado más de una de sus producciones. Sin embargo, no nos cansamos de él y de sus historias, unas más simples que otras, pero siempre con la misma sagacidad, con ese humor entre líneas y con cierto encanto. Esta vez el encanto lo encuentra a Woody Allen en una nueva ciudad europea que suma a su mapa fílmico: la capital italiana. No sabemos si fue adrede o no, pero “Roma” se escribe con las mismas letras que “Amor”, y justamente el título de su film es: “A Roma con amor”.

Denominada también como la Ciudad Eterna, Roma recibió no sólo al excéntrico director –y actor- sino también a un buen puñado de grandes estrellas, entre ellos: Roberto Benigni juega de local y a él se le suman Alec Baldwin, Penélope Cruz, Judy Davis, Jesse Eisenberg y Ellen Page. Además de estereotipar tanto a la ciudad como a los italianos, la película relata cuatro historias disímiles. Una historia le corresponde al propio Allen, quizás la más interesante, en viaje a Roma para conocer a sus futuros suegros. Otra a Benigni, un romano que pasa en poco tiempo pasa de ser un hombre cualquiera a convertirse en una celebridad, también como cualquier otra.

Las otras dos historias se centran en la infidelidad, otro tema recurrente en la obra del director. En una de ellas, las individualidades de una pareja se entremezclan con otras y resulta interesante ver a Penélope Cruz en el rol de una prostituta. La otra muestra cómo un arquitecto (Baldwin) retorna al barrio donde se crió y aconseja a Eisenberg sobre su relación con Page. A estas grandes figuras se suman actores locales que son en definitiva a quienes más explota el director y los que aportan las mejores dosis de brillo. No será “Medianoche en París”, pero al menos sabemos que Roma se escribe con Amor. Y se muestra así en la pantalla de la mano de Woody Allen.